A mediados de la década de 1780, Franz Joseph Haydn, entonces el compositor más celebrado de Europa, recibió un encargo tan peculiar como desafiante.
Desde Cádiz, un clérigo del Oratorio de la Santa Cueva solicitó una obra musical que acompañara la Devoción de las Tres Horas, una ceremonia del Viernes Santo en la que se reflexionaba sobre las últimas palabras de Cristo en la cruz.
Haydn respondió a esta petición con una composición monumental: «Las Siete últimas Palabras de Cristo en la Cruz», una obra que ha perdurado no solo como testimonio de la maestría del compositor, sino como un punto de referencia en el repertorio sacro y de cámara.
En su versión original, escrita en 1787, la pieza estaba concebida para orquesta.
No obstante, ese mismo año, y a petición de la editorial vienesa Artaria, Haydn realizó una versión para cuarteto de cuerdas (Hob. XX/1:B, Hob.III:50–56), considerada hoy día como una de las cimas del género.
Este formato, de una austeridad conmovedora, permite despojar la obra de cualquier ornamento superfluo y enfocar al oyente en su esencia: un profundo diálogo entre música, espiritualidad e introspección.
El próximo sábado podrás escuchar la versión del Cuarteto Quiroga, uno de los grandes embajadores de la música de cámara en España, en el Festival Atrium musicae de Cáceres.
Un desafío compositivo de estructura monumental
La estructura de «Las Siete últimas Palabras de Cristo en la Cruz» plantea un gran desafío tanto para el compositor como para los intérpretes.
Haydn organizó la obra en siete movimientos lentos (únicamente adagios), precedidos por una introducción en re menor y concluidos con un breve y dramático «Il Terremoto» (El terremoto) en do menor.
Cada uno de los movimientos está dedicado a una de las últimas palabras (o frases) pronunciadas por Cristo según los Evangelios, lo que dota a la música de un carácter reflexivo, meditativo y profundamente emocional.
Haydn confesó que este encargo fue uno de los más complejos de su carrera.
Mantener el interés musical a lo largo de una serie de movimientos exclusivamente lentos, sin recurrir a cambios drásticos en el tempo o la dinámica, requirió toda su creatividad.
No obstante, logró superar el reto utilizando un lenguaje armónico rico y una expresividad melódica que transporta al oyente a un estado de contemplación casi litúrgica.
La versión para cuarteto de cuerdas: un ejercicio de intimidad
En la versión para cuarteto de cuerdas, Haydn logra una mayor economía de recursos que potencia la intimidad de la obra. Cada voz instrumental —dos violines, viola y violonchelo— participa en un tejido contrapuntístico que, pese a su sobriedad, no escatima en riqueza expresiva.
El cuarteto de cuerdas, como formato, también facilita una conexión más directa entre los intérpretes y el público. Podríamos decir que convirtiendo cada interpretación en una experiencia casi confesional.
Uno de los elementos más notables de esta versión es la manera en que Haydn emplea el silencio.
En «Las Siete últimas Palabras», el silencio no es meramente una pausa, sino un recurso dramático que intensifica la tensión emocional y refuerza el significado de las palabras sagradas.
Este uso del silencio adquiere una dimensión particular en el formato de cuarteto, donde la ausencia de sonido puede sentirse casi como un eco espiritual.
Vigencia y relevancia contemporánea
La vigencia de «Las Siete últimas Palabras» radica en su capacidad para resonar más allá del contexto religioso en el que fue concebida.
En un mundo cada vez más complejo y frenético, esta obra invita al oyente a detenerse, reflexionar y conectar con lo trascendental.
La música de Haydn nos recuerda que, incluso en los momentos más oscuros, hay espacio para la introspección y la belleza.
Reflexión final
Hablar de «Las Siete últimas Palabras de Cristo en la Cruz» es, en cierto modo, hablar de la esencia misma de la música de Haydn: una combinación magistral de forma, contenido y emoción.
Esta obra, con su profundidad espiritual y su perfección formal, sigue siendo un recordatorio del poder transformador de la música.
Su relevancia contemporánea no radica solo en su impacto emocional, sino también en su capacidad para generar un espacio de reflexión en un mundo necesitado de pausas.
Desde la perspectiva de la gestión cultural, piezas como esta son un ejemplo del potencial de la música clásica para conectar con audiencias diversas, trascendiendo barreras temporales y culturales.
Promover su interpretación y difusión no solo fortalece el legado musical, sino que también abre nuevas posibilidades para el diálogo entre el arte y la sociedad contemporánea.